En un evento sin precedentes, llegaron por primera vez a Monte- Carlo diseñadores de Perú, Costa Rica, Ecuador, México, Colombia, Panamá, El Salvador y Chile, de larga trayectoria

Preciosistas diseñadores de moda de alta costura de Latinoamérica, aquellos que se han propuesto rescatar el patrimonio material e inmaterial de los pueblos y la artesanía latinoamericana tradicional se unen a través de una fusión noble con la sostenibilidad

14 diseñadores latinoamericanos de alta costura, joyas y accesorios desfilaron en Monte-Carlo Fashion Week. Todos ellos garantizan estándares de sostenibilidad en los procesos de manufacturación y comercio justo, promoviendo así la solidaridad y el respeto por el medio ambiente, a la vez que acercan la riqueza de la diversidad cultural de Latino América al viejo continente. 

ALADO

De Colombia participa Alado, fundada por Alejandro González y Andrés Restrepo, ambos nacidos en Medellín, su marca se caracteriza por representar una mente inquieta, curiosa y emprendedora. Estas cualidades resultaron determinantes en el momento de fundar una empresa con un modelo no corporativo, un proyecto en el que se destaca una visión experimental y asertiva.

Sus prendas han sido elaboradas gracias a un arduo trabajo de moldes, desarrollo de siluetas y exploración de cortes. Además, integran una elección de insumos y colores, los cuales configuran rasgos sutiles, románticos y poéticos, que determinan un estilismo en el que destacan los exquisitos detalles barrocos. 

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DIABLA

De Bolivia participa la marca Diabla, que propone una fusión entre el arte, la creatividad y el diseño exclusivo en cada prenda, con una visión de moda única y auténtica inspirada en las creaciones y diseños de tejidos ancestrales de los pueblos indígenas de Bolivia. Sobre todo es un homenaje a la mujer Boliviana.

Diabla promueve el desarrollo social y económico de artesanas y artesanos de diferentes comunidades que realizan estos tejidos, generando demanda para su arte y empoderándolos para que puedan contar con recursos que hagan sostenible su actividad.

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AWAJ WARMI

También de Bolivia, desfila Carmen Camacho, fundadora de Awaj Warmi, una asociación sin fines de lucro especializada en la producción de prendas en lana de alpaca y productos de alta calidad.

Awaj Warmi capacita a sus artesanos, rescatando la tradición ancestral del tejido y aplicándola a diseños de alta costura, sastrería y moda urbana vanguardista. La producción de sus talleres tiene un valor agregado ya que es realizada 100% a mano, con colores vivos y exclusividad de diseños. Las prendas son confeccionadas utilizando telas propias, hiladas artesanalmente a partir de materias primas naturales, con colores inspirados en la vestimenta tradicional boliviana, y en la diversidad de identidades que convergen en el país formando una paleta de colores.

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MEXICO: Vero Díaz en colaboración con Arrt joyas

Las joyas presentadas con la colecciónde Vero Díaz fueron obra de Arrt Joyas. Diseñan joyas contemporáneas usando la técnica ancestral de la filigrana; todos sus diseños son llevados a cabo por artesanos yucatecos que han aprendido esta técnica de generación en generación. 

Para la Colección de Vero Díaz diseñó exclusivamente 32 piezas de joyería , entre maxiaretes, anillos y brazaletes, algunas de estas en oro de 14 kilates y piedras preciosas, y otras joyas en plata con chapa de oro de 22 kilates, y destacando los especialmente diseñados aretes “guacamayos” en oro de 14 kilattes con zafiros, rubí y esmeraldas.

ALVAREZ CALDERON

Todas las piezas bajo el lienzo de tonos tierras- como el marrón, crema, ocre y beige, con algunos destellos de azul, rojo y blanco que dejaban entrever la inspiración de la colección: la cultura Paracas. 

MILDRED RUBÍN

SOLIPSIS by Alita Chang

Alejandra Chang, mejor conocida como Alita, crea bolsos en tejidos naturales y los embellece con pompones, trencilla, piedras y más. Así son las piezas de su marca Solipsis, que distribuye en varios países de Centroamérica y a través de la plataforma Etsy.

MONTE CARLO FASHION WEEK 2019

IMPERIO FASTFASHION VS SLOWFASHION LATINO

Desde hace unas semanas se reportaron incendios incontrolables en la Amazonia brasileña.

Debido a esto, la empresa especializada en calzado VF Corp, responsable por The North Face, Vans y Timberland, entre otras ha declarado que dejará de comprar cuero brasileño para su producción hasta tener “la confianza y certeza de que los materiales usados en nuestros productos no contribuyen al daño ambiental del país”

La Organización de las Naciones Unidas (ONU) señaló que la moda rápida es una emergencia ambiental que debe ser atendida dado a su impacto negativo en el entorno y la salud.

Un nuevo estudio de Greenpeace ha encontrado residuos de varias sustancias químicas peligrosas en ropa fabricada por 20 marcas internacionales de moda

Estos análisis ofrecen una relevante muestra representativa de la responsabilidad del sector textil en el vertido de sustancias químicas peligrosas, unas sustancias que habitualmente se pueden encontrar en los tejidos y que se distribuyen a diario por todo el planeta cuando se lavan los miles de millones de prendas que se venden cada año, un problema que aumentará como consecuencia de la cada vez mayor importancia del sector de “moda rápida”.

LA MODA SUSTENTABLE DE AMÉRICA LATINA

Fibras recicladas, cuero de pez y sustancias amigables con el medio ambiente son algunas dinámicas que cada vez más empresas implementan en sus procesos de confección porque la moda sostenible ya no es un lujo, ni una tendencia, sino un imperativo.

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Al igual que materiales que nos permitan crear estos productos como la piel del pez pirarucú que se encuentra en el Amazonas. Este cuero, que antes se desechaba, ahora se puede convertir en bolsos o zapatos. El trabajo que se hace con este cuero en colores es increíble.

FASHION GREEN MX

Es una plataforma que promueve la moda sustentable como estilo de vida con diversas charlas y una pasarela realizada con prendas con algodón de cultivo sostenible

EDÉN

Cada pieza puede tomar varios días, son de plata y pintadas a mano con colorantes orgánicos de origen vegetal. La inspiración son las aves de diferentes regiones de Colombia que representan a las mujeres de cada zona, a la alegría, la ternura y fuerza que tienen cada una de ellas.

CARLA FERNÁNDEZ

Esta marca quiere ayudar a preservar y revitalizar el legado textil de las comunidades indígenas de diferentes lugares en México estudiando su indumentaria, sus técnicas, formas y colores para crear prendas inspiradas en las raíces del vestido mexicano.

Sus piezas se realizan con materiales reutilizados y técnicas naturales como teñidos con flores. Además quiere frenar la extinción de la artesanía mexicana, asegurándose de que puedan vivir dignamente de su trabajo.

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RENOVARE

Renovare es un empresa mexicana que ha puesto manos a la obra para aportar su granito de arena, fomentando el cuidado del medio ambiente. ¿Cómo lo hace? Reciclando, reduciendo y reutilizando botellas de polietileno y sargazo para crear calzado moderno y al alcance de todos.

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El grunge tiene su origen en Seattle y es la consecuencia de un movimiento musical y cultural derivado del rock, que tuvo su auge a finales de los años 80 y principios de los 90.

El estilo grunge fue popularizado por personajes como Kurt Cobain. Este movimiento proponía una postura marcadamente anticomercial y contracultural. En definitiva, un look desaliñado y rebelde.

En 1992 comenzó a ser deseado por las prescriptoras de moda cuando se hizo patente en las pasarelas gracias a que diseñadores como Anna Sui y Marc Jacobs presentaron colecciones inspiradas en el movimiento.

Del mismo modo, ese mismo año, Vogue USA realizó una editorial bajo el título Grunge y gloria, fotografiado por Steven Meisel y dedicado al movimiento.

La tendencia, además, cobró fuerza de la mano de iconos de los 90 como Kate Moss o Winona Ryder y de películas como Singles (1992), Reality Bites (1994) o Last days (2004).

Tras un tímido intento de Dior por hacer revivir el grunge en 2005, el diseñador belga Dries Van Noten se atrevió con ello para su colección de primavera en 2013.

Las cadenas de ropa asequible pronto trasladaron el estilo grunge a sus tiendas: Zara, Topshop, Topman, Mango, Forever 21, entre otras.

Esta temporada otoño-invierno 2019/2020 la estética grunge vuelve con fuerza de la mano de firmas como Versace, Dior, Prada, Alexander Wang, Marni, R13 que se inspiraron en el movimiento para la creación de sus últimos desfiles.

Según un informe publicado por la plataforma Lyst, las búsquedas del término tie-dye han registrado un incremento del 154% convirtiéndose en una de las palabras clave de moda que más rápido ha crecido este año.

Stella McCartney, Prada, Dior, MSGM o R13, entre otras, lo subieron a la pasarela convirtiéndolo en uno de los estampados más insistentes de las semanas de la moda y otras, como la californiana The Elder Statesman, han hecho de él su reconocible seña de identidad. A fuerza de repetición, y a pesar de lo difíciles de llevar que resultan algunas versiones, ha ido encontrando un lugar predilecto en los estilismos de expertos en moda y, poco a poco, va calando en la calle impulsado por las propuestas de Zara, Mango, & Other Stories y compañía.

Chris Leba, fundador de R13, una de las firmas que llenó de desteñidos su colección, lo resumía así : “En la era Trump, el movimiento de derechas es tan fuerte que el tie-dye puede percibirse como una protesta pacífica y, al mismo tiempo, rebelde, contra los conservadores”. Para el diseñador, es un símbolo de esperanza y libertad heredado del movimiento hippy que en nuestro tiempo mantiene intactos los valores que representaba. Y establece un paralelismo entre entonces y ahora: “En los años 60, Nixon estaba en la Casa Blanca y los estudiantes protestaban en contra de la derecha conservadora. Ahora tenemos a Trump y las mujeres, los inmigrantes y la comunidad LGBQ están luchando por sus derechos”.

El diseñador A Sai Ta de Asai, la marca que ya se ha convertido en la sensación de Londres, también coincide en identificarlo como “reflejo de la libertad y la esperanza” y asegura que, el proceso de anudado con el que se tiñen las prendas “provoca un acabado inesperado e incierto, como los tiempos actuales”

La sostenibilidad, que abre el debate político, en general, y el de la moda, en particular, también puede relacionarse con esta técnica. El proceso manual y artesanal con el que se elabora el tie-dye, generalmente confeccionado en tejidos como el algodón, lo convierten en una declaración para aquellos que lo visten. No en vano, Stella McCartney, símbolo de la lucha contra el uso de pieles animales y la producción contaminante en la moda, es una de sus grandes defensoras y culpable de su ubicuidad esta temporada. Florence Allday, analista de tendencias de moda y belleza en Euromonitor, relaciona su regreso con el movimiento anti moda rápida que cada vez cuenta con más adeptos. “Tiene connotaciones positivas sobre el movimiento hippy, que fue pre-fast fashion”, explicaba la experta a Business Insider, aunque, paradójicamente, las grandes cadenas low cost estén repletas de la tendencia.

Remontándonos a los años 50, el accesorio que ya iba marcando tendencia en el mundo de la moda era el pañuelo. Hasta esa época este complemento solamente lo utilizaba (en gran mayoría) la clase trabajadora. Para las mujeres era muy útil su uso para retener el sudor después de tantas horas bajo el sol en grandes almacenes con temperaturas elevadas por las máquinas. Aunque cuando fue realmente relevante en el mundo de la moda, fue cuando dio su salto al cine.

Son muchos los usos que le hemos dado a este complemento a lo largo de los años. Su paso por el mundo de la moda nunca ha llegado a irse por completo, es uno de esos accesorios que siempre serán tendencia. Este año, firmas como Bershka también han apostado por él, a modo de bandana.

En Instagram ya han llegado para quedarse y es que la red está desbordada con este accesorio estrella que ha vuelto otro año más. Si en 2019 hemos llevado el pañuelo anudado por debajo de la barbilla, el street style de las últimas fashion weeks dictan que el gesto esta vez se restrinja a la parte trasera de la cabeza.

La pasarela se ha movido en ambos derroteros antagónicos. Si la de Kate Spade era la apuesta más colorida entre las colecciones de primavera verano gracias a esos motivos de aire retro que pasaban por flores de aire sesentero, Max Mara o J.W Anderson se han decantado por pañuelos XXL en colores lisos, más llamativos (en amarillo) en el primer caso y más discretos (en blanco y negro) en el segundo. La tónica pasa por llevarlos, salvo en el caso de Spade, con longitudes de mayor tamaño de lo que hemos visto en el street style.

Como suele suceder en estos casos, no se trata de una tendencia nueva. De hecho, aunque el recuerdo más reciente que tengamos sea de los años 90-2000, la realidad es que un rápido repaso archivístico pone de manifiesto que los años 70 también fueron una época en la que el pañuelo de longitudes casi extremas acaparó editoriales de moda.